Depuis cette invention publicitaire de Coke, la fête de Noël n’est plus perçue de la même façon. Le temps des fêtes est maintenant la période reine de l’année en ce qui concerne la consommation et le capitalisme. Aujourd’hui, les jeunes demandent des cadeaux aux prix exorbitants et ne semblent pas plus reconnaissant que ce qu’il faut. Peut-être est-ce parce qu’ils n’ont pas conscience de la valeur de l’argent ?

De nos jours, les gens portent plus attention à la valeur matérielle de l’objet reçu en cadeau qu’à l’intention de la personne qui l’a offert. Alors faites-moi plaisir en célébrant le temps des fêtes pour de vrai valeurs traditionnelles telles que la famille, l’amour et la partage.

Selon moi, le temps des fêtes est une période pour retrouver les gens qui sont chers pour nous et pour prendre de leurs nouvelles. Ce sont des “vacances” auprès des gens qu’on aime, soit notre famille et nos amis. Le principe du cadeau sert à démontrer l’intention d’une personne à partager un présent avec une autre personne, en signe d’amour et de respect. Il ne s’agit pas uniquement d’une coutume pour gâter les autres, en leurs achetant les nouveaux produits qui sont à la mode et en dépensant une fortune en gadgets et en décorations qui ne dureront même pas une semaine.

Sur ce … JOYEUX NOËL et BONNE ANNÉE à tous !! N’oubliez pas que la modération a bien meilleur goût

P.S: Vous êtes mieux de m’avoir fait un cadeau !!!

Ce film, qui a été réalisé par Gore Verbinski en 2006, est le second d’une trilogie étant considérée comme l’une des meilleures de sa décennie. En effet, le film Pirates des Caraïbes : Le secret du coffre maudit, a remporté l’Oscar décerné au film contenant les meilleurs effets spéciaux, en plus de gagner 29 autres prix (Awards) et d’être nominé à 34 autres reprises.

            Ce film raconte l’histoire du Capitaine Jack Sparrow (Johnny Depp) et de son « équipage », qui parcourent les mers dans le but de trouver une clé spéciale. Celle-ci permet d’ouvrir le coffre maudit de Davy Jones (Bill Nighy), le maître des sept mers. En s’emparant de ce coffre, le Capitaine Sparrow pourrait tenter de contrôler Jones et ainsi échapper à sa dette. Puisque treize ans plus tôt, il avait parié son âme, soumises aux services de Jones pour l’éternité, en échange du contrôle de la fameuse Perle Noire. Le navire dont il a été expulsé lors du premier film de cette trilogie.

            Le fait que le film Pirates des Caraïbes : Le secret du coffre maudit a été une production à grand succès est surtout dû, selon moi, à son côté spectaculaire et à la structure de son scénario. Tout comme les deux autres films de cette trilogie, Le secret du coffre maudit est un film qui est à la fois divertissant et rempli d’action. Les nombreux combats navals, la quête sans cesse de Sparrow et la « réalité » des mouvements et des caractéristiques des personnages tels que Davy Jones (Pieuvre), rendent ce film très spectaculaire et permettent aux spectateurs de s’accrocher et de se laisser emporter plus facilement par l’histoire qui ne manque pas d’action. La qualité des effets spéciaux, sonores ou visuels, Le secret du coffre maudit est un film qui convient à presque toute la famille et qui permet de rire un peu. Que ce soit à cause des péripéties cocasses que confronte l’équipage du Capitaine Jack Sparrow ou de la maladresse de ce dernier.

            D’autre part, la structure de ce scénario est très efficace, bien qu’elle soit plutôt traditionnelle. Il y a une histoire d’amour impossible qui perdure pendant toute la trilogie, et le héro principal, Jack Sparrow, réussit toujours à trouver un moyen d’échapper à ses ennuis. Ce film démontre aussi une certaine victoire du « bien », soit l’équipage de Sparrow, le groupe auquel les spectateurs s’identifient, sur le « mal ». Le « mal » étant représenté par l’équipage maudit de Davy Jones, qui terrorise les sept mers.

De plus, les actions de plusieurs personnages s’entremêlent à un moment de cette histoire. Par exemple, lorsqu’ils découvrent le coffre maudit sur l’île, trois personnages sont confrontés les uns aux autres. C’est le cas de Jack Sparrow, qui veut le coffre dans le but d’échapper à sa dette envers Jones et du Commodore Norrington (Jack Davenport), qui veut le coffre pour pouvoir contrôler Jones et les sept mers, facilitant ainsi son commerce par la navigation. C’est aussi le cas de Will Turner (Orlando Bloom), qui veut s’emparer de ce coffre dans le but de pouvoir libérer l’âme de son père, qui est aux services de Jones.

Ce genre de « Triangle à la Mexicaine*** » est une technique d’écriture efficace, souvent présente dans les scénarios de Quentin Tarantino. Par exemple, c’est le cas du film Pulp Fiction, pendant la scène du braquage de restaurant, où Ringo et Yollanda menacent Jules pour avoir son portefeuille, et que Vincent arrive à son tour. C’est aussi le cas du film Reservoir Dogs, lors de la scène pendant laquelle le traitre avoue qu’il est un policier à ses partenaires.

***Informations tirées du livre:

MELLIER, Denis. Discours de tueurs : Fragmentation et perturbation dans Natural Born Killers d’Oliver Stone. In : MENEGALDO, Gilles. (1996). Crises de la représentation dans le cinéma américain. Poitiers (France), La licorne,  285 pages.

Le film intitulé Lucky number Slevin, ou Bonne chance Slevin pour la traduction française, a été réalisé en 2006 par Paul McGuigan (Gangster #1, The acid house). Ce film, qui est considéré comme l’un des meilleurs films de suspense (crime) de la décennie, a remporté plusieurs prix importants lors du Milan International Film Festival. Dont le prix décerné au meilleur film (Paul McGuigan), au meilleur montage (Andrew Hulme), au meilleur acteur (Josh Harnett) ainsi que celui réservé au meilleur film/choix du public (Paul McGuigan).

Ce film, écrit par Jason Smilovic, raconte l’histoire de Slevin (Josh Harnett), un jeune homme malchanceux, venant de rompre avec sa copine, de perdre son appartement et de se faire voler son portefeuille. Ce dernier décide de prendre un peu de vacance et se rend à New York chez l’un de ces amis, Nick Fisher. Cependant, les choses ne s’améliorent pas pour le pauvre Slevin, qui est aux prises entre les deux gangsters les plus craints de la ville (Morgan Freeman et Ben Kingsley), qui sont persuadés qu’il s’agit de Fisher. Son copain qui a curieusement disparu ces derniers temps. Pendant cette guerre entre le supposé Nick Fisher et les deux gangsters, plusieurs personnes reliées à ces deux organisations criminelles meurent. C’est le cas des preneurs de paris ainsi que des fils des deux chefs du crime organisé, qui se questionnent sur la raison de sa présence et qui ont embauchés un spécialiste (Bruce Willis) pour régler cette situation. Slevin doit donc tenter d’échapper à ses deux parrains du crime et de piégés à son tour afin de se venger [...]

Ce film, qui met plusieurs histoires en relation, est un film pendant lequel l’action est omniprésente. On se questionne ce qui va arriver à Slevin ainsi que des raisons qui ont placé ce dernier dans cette situation inconfortable pendant tout le film. Ce qui permet d’intensifier et de faire durer le suspense jusqu’à la fin du film.

D’autre part, le scénario diffère des histoires de crime habituelles où les « méchants », qui font du trafic de drogues ou d’armes, se font arrêtés par un agent infiltré à l’intérieur de l’organisation. Dans le cas de Bonne Chance Slevin, l’histoire tourne autour du jeu et des paris qui s’y rattachent. De plus, le rôle du personnage principal dans l’histoire est ambigu jusqu’à la fin du film. Ce qui nous permet de s’intéresser au film et de se plonger dans l’action, puisque l’on ne comprend pas exactement pourquoi Slevin se retrouve dans une telle situation qui dégénère de plus en plus.

Finalement, je vous conseille fortement de voir ce film si ce n’est pas déjà fait. Pour ma part, j’ai été agréablement surpris par la qualité de son montage alterné entre plusieurs histoires et différents espaces temporels ainsi que par les plans de caméra, qui rendent le film plus accrocheur et intéressant. De plus, l’interprétation des différents acteurs de premiers plans (Josh Harnett, Lucy Liu, Bruce Willis, Morgan Freeman etc.) participe grandement aux succès de ce film.

Le dessin animé de Walt Disney, intitulé Fantasia, était un projet d’envergure pour l’époque à laquelle il a été créé. En effet, en 1940, les technologies n’étaient pas les mêmes que de nos jours en ce qui concerne le cinéma. Nous n’avons qu’à penser aux techniques d’animation, de couleurs ou de sons, pour nous rendre compte que la technologie a grandement évoluée avec le temps.

En effet, c’est grâce à cette production de masse que le personnage de Mickey Mouse est apparût en trois dimension pour la première fois à la télévision.Fantasia est une compilation de huit scènes distinctes, ayant des sujets complètement différents. Cependant, chacune de ces scènes ont un point en commun, soit le principe de contraste. Que se soit des contrastes entre le bien et la mal ou entre les valeurs morales, symboliques ou culturelles.Cette production, qui est propre à l’univers de Walt Disney, reprend plusieurs contes, fables, pièces de théâtres ou légendes du passé, comportant des valeurs morales idéalisées, soit les valeurs imposées par le “star système” Hollywoodien.

Cependant, ces histoires d’origines ont été modifiées et allégées, dans le but de les rendre plus accessibles aux enfants et à la culture de masse. Il ne faut pas oublier qu’il s’agissait d’une expérimentation de la culture populaire.En effet, cette création artistique, qui vise le plus grand public possible, a pour but de divertir et d’éduquer la population selon plusieurs rapports. Soit des rapports idéologiques, culturels, moraux, technologiques et politiques.

C’est pourquoi, plusieurs personnes s’obstinent au sujet de l’aspect artistique de cette production. En effet, certains prétendent que Fantasia est une œuvre d’art, tandis que d’autres affirment qu’il ne s’agit que d’une production culturelle de consommation ou même d’une expérimentation cinématographique.

Selon moi, il ne s’agit pas réellement d’une œuvre d’art, puisque le but initial n’était pas de faire ressentir quelque chose au public (émotions), mais bien de le divertir et de l’éduquer. Fantasia est assurément une production artististique, puisque quelque chose de nouveau a été créé. Mais selon moi, il ne s’agit pas d’une création pouvant être considérée comme une oeuvre d’art. Bien que la fonction de l’art ait énormément changée à travers l’histoire, celle-ci a pratiquement toujours eut pour but de reflèter les aspects de la société.

Qu’en pensez-vous ?

La série télévisée intitulée South Park est rapidement devenu populaires auprès des adolescents et des jeunes adultes. Et ce, dû à la vulgarité de ses personnages et à la violence excessive de ses épisodes. Ces controversés et provoquants dessins animés, créés par Matt Stone et Trey Parker (Baseketball, Team America : World Police) illustrent quatre jeunes élèves d’une école primaire, ayant chacun des caractéristiques et des valeurs très différentes. D’abord, il y a Stan Marsh, l’enfant rationnel issu d’une famille nucléaire traditionnelle, qui agit toujours en fonction de ses valeurs morales. Ensuite, il y a Kyle Broflovski, le meilleur ami de Stan. Ce dernier, qui est juif et provient d’une famille aisée, est cependant victime de contraintes en raison de sa religion et de sa mère qui est très sévère. Ce qui est totalement à l’opposé d’Éric Cartman, un garçon gâté et obèse, issu d’une famille monoparentale. Ce dernier a des tendances racistes, fascistes et dictatoriales. Puis, il y a Kenny McCormick. Un enfant provenant d’une famille très pauvre, qui est rapidement devenu très populaire lors des premières saisons, puisqu’il mourrait avant la fin de chaque épisode.

Lors de ces premières saisons, South Park n’était considéré que comme une série télévisée absurde, vulgaire et violente, qui ne durerait pas plus de quelques saisons. Mais avec le temps, les créateurs de ces dessins animés ont sût adapter leurs personnages et leurs sujets, pour qu’ils suivent et dénoncent les faits d’actualité, tout en gardant leur vulgarité et leur absurdité. Cette série de dessins animés, qui critique durement les sociétés, les célébrités et les organismes du monde entier (Gouvernement américain, scientologie, capitalismes, médias, Woodstock etc.), compte maintenant dix saisons, dont neuf sont déjà traduites en français. Les épisodes de South Park dénoncent, par le biais de l’exagération et de l’absurdité, les problèmes sociaux de l’humanité.

Par exemple, l’épisode intitulé « Le jours d’après », de la neuvième saison, critique sévèrement les médias. Lors de cet épisode, Stan et Éric détruisent un barrage hydroélectrique avec un bateau qu’ils ont volé à la marina. Suite à cet accident dont personne n’est au courant, une bonne partie de territoire est ensevelie par l’eau de la réserve. Le lendemain, lorsque la population s’aperçoit des dégâts engendrés par ce bris, un journaliste se présente sur les lieux pour analyser la situation. Pendant son reportage, le journaliste affirme que ces évènements ont amenés à des scènes de tuerie et de cannibalisme. Cependant, il affirme aussi ne pas avoir vu des ses propres yeux, des gens s’entre-tuer et se dévorer les uns les autres, puisqu’il n’a pas assisté à ces scènes, il ne fait que révéler les faits.

Ce qui démontre que les médias ne détiennent pas la vérité absolue. Dans la majorité des cas, les médias et les journalistes arrivent après l’évènement d’actualité. Donc, ils n’assistent pas personnellement à l’évènement pour ensuite raconter ce dont ils ont été témoins. Ils ne font que faire circuler l’information qui leur a été transmise. 

Pour regarder cet épisode:

Partie 1 = http://www.dailymotion.com/relevance/search/south+park+9×08/video/x3k2tj_south-park-9×08-partie-1_fun

Partie 2 = http://www.dailymotion.com/relevance/search/south+park+9×08/video/x3k2y4_south-park-9×08-partie-2_fun

Chacun des trois disques, qui ne seront produits qu’en vinyles seulement, sera constitué d’une de ces nouvelles chansons et de la chanson intitulée « Conquest », en plus de comprendre une carte à collectionner de célèbres matadors. De plus, pour rendre le produit plus attrayant, ces disques seront « imprimés » aux couleurs thèmes du groupe, soit en blanc, en rouge et en noir. Pour ce qui est du principe des cartes à collectionner, il s’agit de mettre en relation la distribution de ces disques vinyles avec le concept du vidéo clip de la chanson « Conquest ». Ce vidéo, qui met en scène la corrida comme sujet thème, devrait être présenté en première le 26 novembre 2007 à MTV.

Selon vous, est-ce que cette parution de trois nouveaux disques VINYLES aux couleurs du groupe, ne contenant que deux chansons (dont une seule qui est différente d’un cd à l’autre) et une carte à collectionner, vous semble-t-elle être une stratégie de marketing ? Peut-être pour attirer l’attention des curieux ou pour s’enrichir sur le dos des fans qui vont acheter des exemplaires de ces disques en vinyles. Puisque la plupart d’entre eux ne pourront même pas l’écouter. Selon moi, il ne s’agit seulement que d’un nouveau concept (carte à collectionner et vidéo clip en relation) pour faire de l’argent facile avec peu de produit. Ce ne sont que trois disques vinyles de couleurs, enregistrés dans un salon, et ne contenant qu’une nouvelle chanson chacun.

De plus, la date prévue pour la sortie de ces trois nouveaux albums est d’une semaine avant la date de Noël. Il est donc temps de modifier nos listes de cadeaux pour le temps des fêtes !!!

Sources: http://www.showbizz.net/articles/20071114151506/white_stripes_beck_collaboration.html , http://www.musiqueplus.com/modules/news/article.php?storyid=1976, www.allmusic.com

Le film intitulé Taxi Driver, parût en 1976 et réalisé par Martin Scorsese, raconte l’histoire de Travis Bickle (Robert DeNiro), un chauffeur de taxi marqué psychologiquement par ses souvenirs de la guerre du Vietnam. Ce dernier travaille à New-York de nuit, et mène une vie « ennuyeuse » où il ne fait que travailler, écouter la télévision et se remémorer ses affreux souvenirs. De plus, il ne cesse de toujours remarquer toutes les choses horribles qui se passent dans les rues de cette grande ville de corruption et de crimes nocturnes. Ce qui le fait devenir de plus en plus fou. Il semble troublé et se perdre à travers ses propres pensées et convictions. Pendant ses aventures, Travis rencontre Iris (Jodie Foster), une jeune prostituée mineure, qui travaille pour un petit proxénète du quartier. Après avoir essayé de la convaincre de quitter ce proxénète pour retourner chez ses parents et poursuivre ses études, Travis se rase les cheveux en « mohawk » et se procure un pistolet. Il a pour but d’assassiner le sénateur Charles Palantine. Cependant, sa tentative de fonctionne pas et Travis devient de plus en plus perturbé. Il décide par la suite de se rendre au bordel où travail la jeune Iris, une personne avec qui il s’entend bien et qui compte pour lui, afin de la libérer de son enfer. Il entre de force dans le bâtiment et assassine le proxénète ainsi que ses hommes de main. Cependant, il a été gravement blessé et « perd connaissance » jusqu’à l’arrivé de la police.

Finalement, Travis, le jeune américain ignoré de tous et troublé psychologiquement, devient le héro de l’histoire puisqu’il a sauvé la jeune Iris de l’enfer de la prostitution. Serais-ce une version plus troublante du rêve américain? Ce type de scénario présentant une personne plutôt normale, qui a soudainement la chance de prouver aux autres ce dont elle est capable, afin de pouvoir modifier le sens de sa vie.

Personnellement, j’ai adoré ce film. Le montage, les angles de caméra et l’histoire représentée à la « première personne » rend le film plus troublant qu’il ne l’est déjà. Le fait que le spectateur puisse “écouter” ce film comme s’il était dans la peau de Travis permet de mieux sentir le désordre psychologique dont il est victime.

D’autre part, le rôle des acteurs participe grandement à mon appréciation du film et au succès qui s’y rattache. Le personnage joué par Robert DeNiro semble vraiment être atteint psychologiquement par ses souvenirs antérieurs. Les choses horribles dont il a été témoin lors de la Guerre du Vietnam le rendent fou et le hantent dans ses routines quotidiennes. De plus, l’interprétation de Jodie Foster, qui n’avait que 12 ou 13 ans à l’époque, est d’autant plus extraordinaire. Ce qui lui a value le mérite de remporter plusieurs prix (awards) décernés à la meilleure actrice de soutien ou même celui de la « recrue » des actrices.

Mais il ne faut surtout pas oublier que ce film, qui est considéré comme un grand succès par plusieurs, a remporté la Palme D’or au Festival de Cannes de 1976.  

Pendant la Deuxième Guerre Mondiale, la famille Lecter quitte son château pour se réfugier dans le chalet, puisque les troupes militaires s’approchent de plus en plus des routes. Cependant, des chars d’assauts trouvent le chalet de la famille Lecter par hazard et s’y arrêtent pour demander à boire. Pendant ce temps, des avions ennemies attaquent les chars immobiles et détruisent tout sur leur passage. Suite à quoi, le jeune Hannibal est témoin de la mort de ses parents et de tous les autres gens à l’entour de lui. Il doit maintenant s’occuper seul de lui et de sa petite sœur Micha, malgré le manque de nourriture et le froid de l’hiver. Il parvient à prendre soins de la fillette jusqu’à ce qu’une troupe de « bandits de guerre » arrive au chalet pour se réfugier et se cacher des barrages militaires. Ils prennent d’abord les deux enfants en otages, au cas où ils seraient découverts par l’armée. Cependant, n’ayant rien à manger excepté un oiseau de temps à autre, les bandits décident finalement de tuer la petite fille et de la manger pour pouvoir survivre. C’est pourquoi Hannibal, qui a été témoin de ce fait monstrueux, décide de venger la mort de sa petite sœur innocente.

Pendant tout le film, Hannibal a une double personnalité. Une dualité de son esprit entre le bien et le mal. Il peut être tendre et attentif avec les gens qu’il aime, mais peut aussi être très agressif et sans pitié. Pour illustrer cet état d’âme, Hannibal est représenté à l’aide d’un jeu de lumières et d’ombres. Que ce soit dans son regard vide et sans émotions lors de ses vengeances, ou dans les portraits qu’il dessine suite à ses rêves, les visages sont presque toujours représentés avec un côté obscur. De plus, il est fréquent dans le film que l’ombre d’Hannibal le précède avant ses gestes de vengeance, tout comme dans les oeuvres cinématographiques du mouvement expressionnisme allemand. Ce qui vient accentuer le suspense du film et donner de l’intensité au côté obscur du personnage.

Personnellement, j’ai vraiment aimé ce film, car il nous permet de réellement comprendre l’histoire et les raisons qui ont incité Hannibal à agir de la sorte. De plus, l’histoire d’amour traditionnelle qui se forge au cœur de presque chaque scénario du cinéma américain, ne s’applique pas vraiment dans le cas de ce film. Bien qu’il y est une petite relation entre Hannibal et Mme. Murasaki, celle-ci ne dure pas. Vers la fin du film, Hannibal avoue son amour à Mme. Murasaki, mais celle-ci refuse et s’enfuie en lui demandant ce qu’il peut bien rester à aimer en lui. Ce qui ajoute un côté inhumain à la personnalité d’Hannibal. Bref, ce scénario porte très bien son titre, puisqu’il permet de bien comprendre le chemin de vie qu’a prit Hannibal avant d’atteindre le “niveau” où il en est dans les premiers films où l’on a pût l’apercevoir.